“Non ricordo la mia esistenza prima del pianoforte”: a soli 17 anni, Arielle Beck, precoce e prodigiosa artista francese, ha vinto venerdì sera a Brest il premio Victoire de la Musique Classique nella categoria rivelazione solista strumentale.  Ecco come risponde alle domande di Suzana Kubik. La prima, Come ti sei avvicinato alla musica?

Il pianoforte è entrato nella mia vita in modo del tutto naturale, dato che avevamo un pianoforte verticale a casa. E poi è diventato presto una cosa seria; mi piaceva e avevo un buon orecchio. Ho iniziato a frequentare il conservatorio a quattro anni. Ricordo che a sette o otto anni era chiaro che questa sarebbe stata la mia professione; non ne ho mai dubitato. A quattordici anni mi sono iscritta al Conservatorio di Parigi per la laurea triennale. Dalle scuole medie fino alla fine delle superiori, ho studiato a casa tramite il Centro Nazionale per l’Istruzione a Distanza. C’era comunque molto da fare, ma mi ha permesso di organizzare le mie giornate tra lezioni, studio personale e viaggi. Era perfetto per me e mi ha fatto risparmiare molto tempo. Ho tenuto il mio primo concerto a nove anni, e poi ho continuato a esibirmi gradualmente, non con la stessa frequenza di oggi, ma credo che aver avuto un accesso precoce al palcoscenico e aver sviluppato così presto una passione per esso sia stato molto importante per la mia carriera.

Cosa trovi di affascinante nel tuo strumento?

Ci sono due aspetti. Innanzitutto, provo un piacere particolare nel suonare uno strumento polifonico. Non vedo una gerarchia tra questi e gli strumenti monofonici, ma si tratta di due piaceri distinti. Credo che sarei comunque stato attratto da uno strumento polifonico, perché ho un gusto per il contrappunto, per l’armonia… mi affascina in particolare far risuonare contromelodie nascoste. E poi, naturalmente, c’è l’aspetto orchestrale del pianoforte, anche se trovo un peccato che venga spesso concepito come un’orchestra in miniatura, una base, un timbro neutro che ha costantemente bisogno di essere arricchito. Dobbiamo davvero imitare sempre altri strumenti, altri timbri? Il pianoforte in sé ha un timbro estremamente interessante, che può essere incredibilmente vario, diversificato, infinitamente dolce e simile a quello di uno strumento a percussione. È semplicemente straordinario.

Oltre a questo, cosa mi piace del mio pianoforte e, più in generale, della mia musica? Se mi esercito ogni giorno, è semplicemente per poterla condividere con un pubblico prima o poi. Se non avessi questo obiettivo, non continuerei. La musica non è qualcosa che posso godermi da solo in un angolo. Il pubblico gioca un ruolo fondamentale nel mio lavoro quotidiano.

Lei ha accennato a una concentrazione molto specifica sul palco; come descriverebbe questo stato?

È una condizione in cui è in gioco l’equilibrio tra controllo e libertà. Un controllo estremo, in cui bisogna attenersi rigorosamente a qualcosa che si è stabilito nelle settimane o nei mesi precedenti, lavorando al brano. Questo tipo di controllo è molto importante perché permette di mantenere una certa distanza da ciò che si sta facendo, di evitare di essere troppo concentrati sul compito da svolgere. Allo stesso tempo, è necessario lasciarsi coinvolgere emotivamente, anche solo per comprendere l’impatto dell’esecuzione sul pubblico, senza però esserne sopraffatti. Perché quando si inizia a essere troppo emotivi, a diventare eccessivamente emotivi, non funziona più. È qualcosa su cui bisogna riflettere, di cui bisogna essere consapevoli, per capire cosa sta succedendo. Ma quando si ha troppo controllo, troppo controllo, per me, c’è un pericolo. Perché quando si perde completamente la libertà, è proprio allora che accade tutto ciò che si deve assolutamente evitare. E per me, quando c’è molta libertà, in definitiva, è un luogo sicuro. Perché, appunto, quando si è liberi, si ha il controllo di tutto. Sono particolarmente attenta a evitare un controllo eccessivo, che può essere dannoso per l’espressione musicale, il messaggio, tutto. Ci sono momenti in pubblico, brevissimi, in cui perdo completamente la cognizione dello spazio e del tempo. Non so nemmeno più dove mi trovo, la concentrazione ha un effetto così potente sul mio corpo e sulla mia mente. Sono momenti difficili da descrivere.

Cos’è che ti affascina così tanto nell’analizzare un’interpretazione?

Per me è un processo di esplorazione. Sono questi i momenti in cui ci si addentra nel cuore dell’opera. Quando si sentono le mani separate, le voci separate, si sta ascoltando l’opera sezionata. Ecco perché mi piace l’analisi. Io stesso non suono mai il pianoforte con un senso di stanchezza. Trovo il lavoro di un interprete così stimolante, questa ricerca di cose nuove. Certo, c’è l’aspetto tecnico, ma anche all’interno del lavoro tecnico, credo che ci si possa divertire, trovare piacere, persino in un lavoro che potrebbe sembrare tedioso.

Quando lavoro a un brano, l’interpretazione è già presente fin dall’inizio, e poi si evolve man mano che ci lavoro personalmente, fino al concerto. Ma in realtà, non credo che l’interpretazione debba essere definitiva al momento del concerto. Raggiunge un punto in cui è relativamente fissa, proprio per poter essere, in un certo senso, “disfatta” durante l’esecuzione. Questo è dovuto anche alla concentrazione molto specifica necessaria in quel momento: il concerto è, per me, un momento in cui l’interpretazione può assumere una certa libertà. Inizio a improvvisare un po’, a esplorare, a sperimentare… Ed è spesso durante il concerto che imparo qualcosa sul brano, sulle mie scelte interpretative, e che le mie interpretazioni possono evolversi, proprio grazie alla presenza del pubblico. Questi sono, per me, momenti di lavoro molto specifici, e quindi molto importanti.

Non ricordo nemmeno il periodo in cui non suonavo il pianoforte, o meglio, i miei inizi. Mi hanno detto che da piccola ballavo sulle note dei trii di Haydn. Quella per me era musica rock. I miei primi ricordi risalgono a quando avevo sette o otto anni. Ed è vero che è a quell’età che si inizia a suonare pezzi meravigliosi, soprattutto di Schumann. Ricordo il primo suo brano che ho suonato: Des Abends . Un pezzo molto significativo per me. Schumann è stato importante fin da subito. La prima Partita di Bach di Lipatti, che ho ascoltato ripetutamente, mi è rimasta impressa, così come il Concerto del Giovane di Haskil, che è tra le mie registrazioni preferite. E anche le Scene dei Bambini .

Schumann occupa un posto speciale nel tuo pantheon personale. Quali sono gli altri tuoi compositori preferiti?

Ho ascoltato molto Schumann; i miei genitori ascoltavano spesso la sua musica, e ho iniziato a suonarlo anch’io, continuando a suonare molto da allora. Schumann è molto armonico e contrappuntistico, due stili che si completano a vicenda alla perfezione. Dal punto di vista pianistico è estremamente interessante, e anche se non si tratta di musica particolarmente orientata al pianoforte, è una musica che mi parla. Anche perché spesso mi suscita nostalgia. Per me è musica legata all’infanzia, e oserei dire che Schumann è un compositore dell’infanzia, perché è piuttosto raro trovare un compositore che abbia scritto opere per bambini, ma che siano anche destinate a essere eseguite in concerto. Stranamente, non farò alcun collegamento tra i due compositori; vedo qualcosa di simile a Prokofiev nella sua musica.

È vero che il Romanticismo tedesco, e in effetti tutta la musica tedesca, mi affascina particolarmente. Ne ho suonata molta; ho persino inciso musica romantica tedesca per il mio primo album, ma in realtà non sono fissato su un genere in particolare. Non vorrei nemmeno “specializzarmi” in un solo periodo. Amo anche la musica francese, amo la musica russa; sono davvero molto aperto a ogni tipo di repertorio.

Ti consideri più un pianista concertista o un musicista da camera?

Oggi la mia vita è ben equilibrata tra l’attività da solista e quella cameristica. Ho avuto la fortuna di poter prendere lezioni di musica da camera fin da giovanissima. Già da bambina sentivo il bisogno di suonare con altri. La musica da camera è stata ovviamente molto importante per me: per incontrare altri musicisti, ma anche per scoprire una nuova dimensione timbrica. Spesso, quando si prendono lezioni di pianoforte e ti viene detto di suonare come un oboe o di condurre una frase come se stessi usando un archetto, anche se si ha la possibilità di ascoltare registrazioni, si impara così tanto dai veri musicisti che ho chiesto di suonare musica da camera fin da piccolissima.

Per i miei recital, cerco sempre di costruirli attorno a ciò che mi piace, perché scelgo i miei programmi; mi concedo qualche sfizio. Ad esempio, di recente mi sono innamorato della Prima Sonata di Schumann . O di Visions Fugitives , un sogno di repertorio che presto si avvererà. Ciò che amo particolarmente, naturalmente, oltre ai recital, è suonare con un’orchestra… È così emozionante incontrare direttori d’orchestra che ci insegnano così tanto. E poi registrare è qualcosa che mi emoziona profondamente, qualcosa che mi piace particolarmente. In fondo, non è poi così diverso dall’esperienza sul palco. In ogni caso, per me, suonare in un microfono è come suonare per un pubblico. C’è lo stesso impegno. La stessa sensazione di arrivare al cuore dell’interpretazione e, in definitiva, il costante scambio tra l’esperienza interiore di esecutore e l’esperienza esteriore di ascoltatore, che è incredibilmente arricchente. Ho registrato una prima take per il mio album in un contesto concertistico, proprio all’inizio e alla fine, e c’è stata un’evoluzione davvero interessante in ciò che stavo facendo con i brani. E poi c’è anche il rapporto con il tecnico del suono, che è una guida; ho imparato molto da lui.

Componi anche…
È stato più o meno alla stessa età che ho iniziato a interessarmi alla scrittura musicale, pur non avendo le necessarie basi teoriche. Così ho iniziato a seguire corsi di composizione, armonia e armonizzazione per tastiera, che mi sono piaciuti molto perché mi permettevano di improvvisare. La composizione è importante per me. Come l’improvvisazione, è come respirare. Infatti, fin da piccolo, quando vedevo brani finiti che dovevano essere eseguiti, mi chiedevo: ” Qual è il processo del compositore? Come fa? “. Ecco perché l’analisi, cioè il tracciare il processo creativo del compositore, mi affascinava così tanto. Un giorno ho seguito dei corsi, poi ho preso un foglio bianco e ho iniziato a divertirmi scrivendo esercizi, non composizioni. E in effetti, ci sono periodi dell’anno in cui compongo, mentre per me l’improvvisazione è più una questione di sviluppo. Improvviso molto più di quanto componga, ma improvviso solo per me stesso. Proprio come il cervello elabora tutte le informazioni della giornata durante la notte, l’improvvisazione funziona allo stesso modo, a mio parere: è un campo, un laboratorio in cui elaboro tutte le informazioni musicali che mi arrivano e, dopo un po’, questo può portarmi a comporre, ma non posso comporre in modo continuativo. Alterno periodi di improvvisazione e di composizione. Non considero la composizione un’alternativa, ma piuttosto un complemento, un elemento complementare. Per il mio primo album, ero determinato a registrare una mia composizione, Variazioni su un tema di Schumann . Perché per un album d’esordio volevo includere elementi che mi rappresentassero, che riflettessero la mia personalità.

Quali sono, a suo avviso, le difficoltà maggiori nella carriera di un pianista oggi?

Onestamente, cerco di non guardarmi troppo intorno. Non perché non mi interessi. Perché è importante ascoltarsi a vicenda come colleghi, ecc. Inoltre, è così coinvolgente concentrarsi solo sul proprio percorso. Sono per natura molto ottimista e vedo solo ciò che va bene. Quindi cerco di rimanere in questo stato d’animo, un po’ semi-cosciente, ma penso che abbiamo bisogno di questa semi-coscienza per andare avanti, una semi-coscienza che avevo già da piccolo. Essere completamente ciechi non risolve nulla, né lo fa essere troppo consapevoli. Francamente, bisogna conservare una certa innocenza infantile. In ogni caso, sono felice della mia vita e mi sento realizzato. Spero solo che continui così.

Cosa ti ha ispirato a ricevere questa nomination per le Victoires de la musique classique Revelations?

Sono rimasta profondamente commossa. È un grandissimo onore essere nominata. È un passo importante nel mio percorso, un riconoscimento che sento arrivi al momento giusto della mia crescita personale. Quindi non vedo l’ora.

La diciassettenne Arielle Beck possiede una sensibilità artistica e una maturità uniche che esprime pienamente sul palco. Si esibisce in recital e come solista con orchestre su palchi prestigiosi: La Roque d’Anthéron, il Festival sinfonico pianistico di Lucerna, le Variazioni musicali di Tannay, il Festival Menuhin di Gstaad, Piano aux Jacobins, il Festival musicale di Menton, i Rencontres musicales de La Grange au Lac a Évian, la Schubertiada a Vilabertran, Pianos Folies du Touquet, La Folle Journée a Nantes e Tokyo, il Festival Vézère, l’Orangerie d’Auteuil, Pianopolis ad Angers, l’Auditorio Nacional de Musica, il Circulo de Bellas Artes a Madrid… Nell’ottobre 2025, Arielle farà il suo debutto in recital al Théâtre des Champs-Élysées.

Tra gli appuntamenti salienti della stagione 2025/26 figurano concerti in Corea, Giappone e Messico, nonché recital a Montpellier, Six-Fours-les-Plages, Marsiglia, Saint-Étienne, al Festival di Épau e a Nancy. Arielle Beck è ospite abituale di importanti orchestre, come la Filarmonica di Tokyo, l’Académie des Saint-Martin-in-the-Fields, l’Orchestre de Marseille, l’Orchestre National Montpellier Occitanie, l’Orchestre de Nice, la Filharmonia Opole, l’Orchestre Symphonique du Pays Basque, la Sinfonia Varsovia e l’Orchestre National des Pays de la Loire. Collabora con direttori d’orchestra del calibro di Lionel Bringuier, Lawrence Foster, Claire Gibault, Tomo Keller, Léo Hussain, Lio Kuokman, Chloé Meyzie, Gilles Millière, Jakub Montewka, Bruno Weil e Sascha Goetzel. Nata nel 2009 a Parigi, Arielle Beck si è formata con Igor Lazko e, dal 2023, studia con Claire Désert e Romano Pallottini al Conservatorio Nazionale Superiore di Musica e Danza di Parigi. Fin dall’età di nove anni, è stata anche allieva di Stephen Kovacevich. Nel 2018, il suo precoce talento è stato riconosciuto con il Primo Gran Premio al Concorso Internazionale Giovani Chopin, presieduto da Martha Argerich, e nel 2024 ha ricevuto il 20° Premio del Festival d’Elba. Il suo album di debutto, acclamato all’unanimità dalla critica, è stato pubblicato nel settembre 2025 da Mirare: include opere di Schumann, Brahms e una composizione originale su un tema di Robert Schumann. (Biografia ufficiale)